Storyboard y animatic: ver el vídeo antes de producirlo

Hace un tiempo presentamos a un cliente un vídeo explicativo en forma de animatic: dibujos en gris, una voz grabada con el micrófono del estudio y una música provisional. A los veinte segundos nos paró. «Aquí me he perdido», dijo, «no entiendo por qué de repente hablamos de logística». Tenía toda la razón. En el guion escrito la frase funcionaba, pero vista en el tiempo, con su ritmo real, el salto era demasiado brusco. Lo arreglamos en media hora moviendo dos viñetas y añadiendo una frase puente. Si lo hubiéramos descubierto con la animación terminada, habríamos rehecho una escena entera.

Esa es la razón de ser del storyboard y del animatic: ver el vídeo antes de que exista. Son las herramientas que permiten que todas las personas implicadas imaginen lo mismo y que los cambios ocurran cuando todavía son baratos. Esta guía explica cómo se hacen, qué tienen que incluir y cómo revisarlos con criterio.

01Qué es un storyboard y qué problema resuelve

Un storyboard (guion gráfico) es una secuencia de viñetas que representa, plano a plano, lo que se verá en un vídeo, con notas sobre acción, diálogo, sonido y movimiento de cámara. Se lee como un cómic, de izquierda a derecha y de arriba abajo.

Su origen está en los estudios Disney de principios de los años treinta, donde el animador Webb Smith empezó a clavar dibujos en tablones para ver la historia completa de un corto. La idea se extendió al cine de imagen real: Hitchcock era famoso por planificar cada plano en viñetas antes de rodar. Hoy es una herramienta estándar en cine, publicidad, motion graphics y videojuegos.

El problema que resuelve es de comunicación. Un guion escrito describe lo que pasa, pero cada persona lo imagina a su manera. Cuando el cliente lee «vemos el producto en la mesa», imagina un plano; el operador, otro; el animador, un tercero. El storyboard pone la imagen sobre la mesa y obliga a decidir: ¿plano general o detalle?, ¿desde arriba o a la altura de los ojos?, ¿el producto entra en cuadro o ya está?

02El lenguaje de los planos que se dibujan

Para hacer un storyboard útil no hace falta dibujar bien, pero sí hablar el lenguaje de los planos. Estas son las escalas más habituales y lo que transmiten:

A esto se suman los ángulos (normal, picado desde arriba, contrapicado desde abajo, cenital) y los movimientos de cámara (panorámica, travelling, zoom, grúa, cámara en mano). En motion graphics la «cámara» es virtual, pero el lenguaje es el mismo: un zoom digital sobre una ilustración transmite lo mismo que un travelling de aproximación.

Cómo se anota el movimiento

La notación habitual es sencilla y conviene respetarla para que cualquiera la entienda:

• →Flechas dentro del cuadro para el movimiento de personas u objetos.
• →Flechas fuera del cuadro, o un recuadro interior con flechas hacia él, para indicar movimientos de cámara o zoom.
• →Dos viñetas para un mismo plano (inicio y final) cuando el movimiento es importante, marcadas como 4A y 4B.
• →Notas debajo de cada viñeta con el número de plano, la duración estimada, el diálogo o locución y los efectos de sonido.

03Cómo hacer un storyboard paso a paso

Este es el proceso que seguimos en el estudio, tanto para rodajes como para piezas de animación:

1. 01Partir de un guion aprobado: el storyboard traduce un texto que ya está decidido en su fondo. Si el guion cambia mucho, el storyboard se rehace.
2. 02Dividir el guion en planos: marcar en el texto dónde cambia la imagen. Cada cambio será al menos una viñeta.
3. 03Hacer miniaturas rápidas: bocetos de pocos centímetros, de dos a tres por plano, para explorar opciones de encuadre sin invertir tiempo. Es la fase más creativa.
4. 04Elegir y limpiar: seleccionar la mejor miniatura de cada plano y dibujarla a un tamaño legible, con la relación de aspecto final (16:9, 9:16, 1:1).
5. 05Añadir notas: número, duración, acción, sonido, texto en pantalla y transición al siguiente plano.
6. 06Revisar la continuidad: comprobar que las direcciones de mirada y de movimiento se mantienen entre planos (la regla de los 180 grados) y que la secuencia se entiende leída de corrido.
7. 07Presentar y anotar cambios: una revisión con el cliente y el equipo antes de pasar al animatic o a los styleframes.

Herramientas para dibujar storyboards

• →Papel y lápiz: siguen siendo lo más rápido para miniaturas. Hay plantillas imprimibles con viñetas en 16:9.
• →Procreate o Photoshop: con una tableta, permiten dibujar limpio y reordenar viñetas.
• →Storyboarder (Wonder Unit): gratuito y pensado para esto; exporta animatics básicos.
• →Boords: herramienta online que facilita compartir, comentar y versionar con clientes.
• →Toon Boom Storyboard Pro: estándar en animación profesional, con cámara y animatic integrados.
• →Previsualización 3D: Blender, Unreal Engine o herramientas como FrameForge permiten colocar cámaras virtuales con ópticas reales, muy útil en rodajes complejos o en piezas de animación 3D.

La IA generativa se ha sumado como herramienta de exploración: genera en segundos variaciones de un encuadre o de una atmósfera. Funciona bien para abrir opciones; la elección del plano y la continuidad de la secuencia siguen siendo decisiones de dirección.

04Del storyboard al animatic: añadir el tiempo

Un storyboard muestra qué se ve, pero no cuánto dura. Y la duración lo cambia todo: un plano de tres segundos y uno de ocho cuentan cosas distintas, aunque la imagen sea la misma. El animatic resuelve eso.

Un animatic es el storyboard montado en una línea de tiempo, con la duración real de cada viñeta, la locución (aunque sea provisional), la música de referencia y, a veces, efectos de sonido básicos y movimientos sencillos de cámara sobre los dibujos. Se ve como un vídeo, aunque con imágenes fijas o casi fijas.

Qué permite decidir un animatic

• →La duración total: si el vídeo tiene que durar 30 segundos y el animatic dura 41, hay que recortar ahora.
• →El ritmo: dónde la pieza corre demasiado y dónde se estanca.
• →La relación entre voz e imagen: si cada imagen aparece cuando se nombra lo que muestra, o va adelantada o atrasada.
• →La legibilidad de los textos: si los rótulos permanecen en pantalla lo suficiente para leerlos.
• →Los momentos de silencio: dónde hace falta una respiración para que una idea cale.

Cómo se monta

El animatic se puede montar en cualquier editor de vídeo (Premiere, DaVinci Resolve, Final Cut) o directamente en After Effects si la pieza es de motion graphics. El proceso habitual:

1. 01Grabar una locución provisional a ritmo real, aunque sea con el micrófono del ordenador.
2. 02Colocar la música de referencia, eligiendo una con un tempo parecido al previsto.
3. 03Importar las viñetas y ajustar cada una a su frase o a su golpe musical.
4. 04Añadir movimientos sencillos (zoom, desplazamiento) para indicar los movimientos de cámara.
5. 05Incluir los textos en pantalla con tipografía básica y su duración real.
6. 06Exportar con marca de agua o rótulo «Animatic · versión 1» para que nadie lo confunda con una pieza final.

05Cómo revisar un storyboard y un animatic con criterio

Revisar un storyboard o un animatic es distinto de revisar un vídeo terminado. Hay que mirar a través de los dibujos provisionales y centrarse en lo que se está decidiendo en esta fase. Estas preguntas ayudan a dar un feedback útil:

• →¿Entiendo la idea principal si veo el animatic una sola vez y sin contexto?
• →¿Los primeros segundos plantean algo que me hace querer seguir mirando?
• →¿Hay algún momento en el que me pierdo o me aburro? ¿En qué segundo exacto?
• →¿Cada texto en pantalla se puede leer con calma?
• →¿El final deja clara la acción o la idea que queremos que se recuerde?
• →¿Hay algún plano que no añada nada?

Lo que funciona es comentar en términos de efecto («aquí no entiendo por qué cambiamos de tema») más que de solución («pon otra imagen»). El equipo creativo encontrará la mejor solución si sabe exactamente qué efecto no se está produciendo. En la guía sobre cómo dar feedback de diseño hay más pautas que sirven también aquí.

06Dos storyboards distintos: el de presentar y el de rodar

En publicidad se distingue a menudo entre dos tipos de storyboard, y conviene saber cuál se está haciendo en cada momento porque tienen públicos diferentes.

El storyboard de presentación se prepara para el cliente. Tiene menos viñetas, un acabado más cuidado (a veces en color, con la paleta de la marca) y pone el foco en la idea y la emoción. Su función es que quien decide entienda la propuesta y se ilusione con ella.

El storyboard de rodaje (shooting board) se prepara para el equipo técnico. Tiene todas las viñetas, incluidas las de cobertura, y anota ópticas, alturas de cámara, movimientos, número de toma prevista y detalles de arte o vestuario. Su función es que el día del rodaje nadie tenga que adivinar nada.

Lo que hace que un storyboard sea útil

• →Lo que funciona es numerar cada viñeta con el mismo código del guion técnico, para que todos hablen del plano 3.2 sin confusiones.
• →Ayuda marcar en cada viñeta el texto en pantalla exacto, porque el espacio que ocupa condiciona el encuadre.
• →Conviene indicar la transición entre planos (corte, fundido, barrido) cuando no es un corte simple.
• →Mantener una versión fechada de cada revisión permite volver atrás si una idea descartada vuelve a interesar.

07Storyboard y animatic según el tipo de pieza

El nivel de detalle depende mucho del proyecto. No tiene sentido el mismo esfuerzo para un reel que para un spot de televisión.

En motion graphics, el animatic es especialmente valioso porque la animación es la parte más costosa del proceso. Tras el animatic suelen llegar los styleframes, fotogramas con el acabado final que muestran cómo se verá cada escena; con ambos aprobados, la animación avanza sin dudas sobre el contenido ni sobre el estilo. Lo contamos dentro del proceso general en la guía qué es el motion graphics.

08Ver antes de hacer

Lo valioso del storyboard y del animatic no son los dibujos, sino las conversaciones que provocan. Son el momento en el que el equipo creativo y el cliente se sientan delante de la misma imagen y deciden juntos, con calma, cómo será la pieza. Cuando eso se hace bien, el rodaje o la animación se convierten en la ejecución de algo que todos ya han visto y aprobado.

En SIMA usamos storyboards y animatics en todos nuestros proyectos de vídeo y motion, desde un logo animado hasta un spot. Forman parte de nuestro servicio de producción audiovisual y son, muchas veces, la parte que más disfrutan nuestros clientes. Si tienes una pieza en mente y quieres verla antes de producirla, escríbenos.